Conformado de color

Conformación: Esta es la primera fase del procesamiento de la imagen, hace coincidir el intermediate digital completo con el montaje final. Se emplea un software especial de conformación para autoconformar el intermediarie digital usando un EDL del montador.

El software y los sistemas de conformacion tienen algunas características comunes:

• Reproducción: El sistema de conformacion se usa a menudo para reproducir. Ya que el intermediate digital es una serie de archivos digitales, se pueden reproducir y acceder a ellos en cualquier orden. Esta flexibilidad permite una navegacion rapida a cualquier punto de la produccion. Con frecuencia se usan equipos adicionales para mostrar y reproducir datos de alta resolucion sin comprimir. O los sistemas de la conformacion pueden mostrar imagenes proxy, que son archivos mas pequeños usados para la reproduccion y la manipulacion. Ya que las imagenes son mas pequeñas, no son tan pesadas para los sist informaticos.Cualquier ajuste realizado a las imagenes proxy se puede guardar como metadatos y aplicarse a las imagenes de resolucion completa mas tarde.El uso de imagenes proxy puede permitir ahorrar dinero. Los archivos mas pequeños se procesan con mas facilidad y rapidez que las imagenes escaneadas a resolucion completa.
• Capacidades de montaje: La mayoria de este software usa una interfaz de línea de tiempo similar al software de edicion no lineal, donde los fotogramas se pueden duplicar, mover, sustituir o eliminar. El ritmo de los cortes y transiciones tambien se puede modificar. Es importante escanear "colas" (un montaje extra anterior y posterior a los planos) para que se puedan efectuar ajustes. Las "colas" permiten cierta flexibilidad si un plano un transicion necesita fotogramas extras.
• Independiente de la resolucion: Estos sist son independientes de la resolucion, lo que significa que pueden reproducir y acceder a imagenes digitales de cualquier tamaño. Por tanto, se puede mezclar entre si diferentes medios de captura y trabajar en resolucion nativa. Una vez que el intermediate digital se ha completado, todas las imagenes digitales se redimensionan a la resolucion de salida.
• Intermediate digital conformado: Una vez que el intermediate digital se ha conformado, debera compararse con el montaje original por seguridad. La principal ventaja de un ID conformado, es que todos los cambios efectuados durante el proceso de postproduccion digital, se realizan en el contexto de la produccion final. Por consiguiente el cineasta y el colorista pueden experimentar y comprobar directamente los cambios en la pelicula.
  
  
  Fuente: Archivo PDF de google>  conformacion de color en la postproduccion.

DF de "Las Alas del Deseo"

Henri Alekan nació el 10 de febrero de 190. Alekan, que estudió en la Academia de Artes y Oficios y en el Instituto de Óptica, tuvo su formación como cineasta en las bibliotecas. Las revistas especializadas, al no existir escuelas de cine, brindaban el conocimiento informal de un mundo que se ufanaba en convertir la noche en día. Precisamente, esa fue la imagen que lo hizo abrazar la profesión, fascinado por la iluminación al coincidir con una filmación en Villefrance Sur Mer, en 1925. Entonces se habían suscitado importantes avances que culminarían con la llegada del cine sonoro pocos años después, pero el cine era un arte para iniciados y  los primeros operadores de cámara ocultaban celosamente los trucos de su oficio. Así, el “maestro de la luz” aprovechaba los altos de filmación para conocer cómo se cargaba la película y el mecanismo interior de la cámara cinematográfica. Retrospectivamente, se puede considerar risueño que el reglamento de la casa Pathé obligara a filmar a no menos de un metro setenta de altura; o que el sol dictara las primeras horas de la jornada hasta que se hizo presente la luz artificial. Técnica que hizo reflexionar a Luigi Pirandello en una obra tan olvidada como Alekan.

Se incio en el mundo del cine en 1929 como asistente de cámara y de iluminación, hasta que en 1936 se convirtió en director de fotografía con La vie est à nous, un film coral dirigido por ocho realizadores, entre ellos, Henri Cartier-Bresson y Jean Renoir. A lo largo de su carrera también trabajo con realizadores como, Jean Cocteau, Andre Cayatte, Julien Duvivier, Abel Gance, William Wyler, Jules Dassin, René Clement, Joseph Losey y Wim Wenders.

Nominado al óscar por “Vacaciones en Roma” (película rodada también en blanco y negro en un tiempo donde empezaba a imponerse el color) fue conocido y se le conoce como el “poeta de la luz”. Hablando sobre la luz, hay una anécdota que tuvo lugar en el rodaje de “La bella y la bestia” de Jean Cocteau. Cometió un error al montar un escenario pensado para una escena nocturna, cuando en realidad se trataba de un momento diurno. Algo que se salvó gracias al director el cual cambió la frase del actor por “Mi noche no es la vuestra. Es de noche en mí y de día en vos”. Y es que a veces, este tipo de fallos pueden llevar a soluciones poéticas. 

Finalmente murio el 15 de junio de 2001

Entre su filmografía destacan:

• La bella y la bestia (1946), de Jean Cocteau.
• Vacaciones en Roma (1953), de William Wyler, por cuyo trabajo fue nominado al Oscar.
• Topkapi (1964), de Jules Dassin.
• Mayerin (1968), de Terence Young.
• Sol rojo (1971),, de Terence Young.
• La caza humana (1970), de Joseph Losey.
• El cielo sobre Berlín (1987), de Wim Wenders.

En 1983 recibió un Óscar honorífico por toda su carrera.

Henri Alekan y "Las alas del deseo":

"Las  alas del deseo" o "Cielo sobre Berlín", es una película rodada en en su totalidad en blanco y negro, trabajo que llevo a cabo el Df francés, Henri Alekan. Esta película cuenta la historia de un Berlín separado por el muro a través de dos ángeles que sobrevuelan la ciudad, accediendo al corazón de los mortales por medio de sus pensamientos. Para separar el punto de vista de los mortales, los humanos, del de ellos, Alekan decidió poner algunas escenas puntuales en color (vista de los humanos).

Esta película se comenzó a rodar con muy pocos diálogos, por lo que la imagen toma un papel importantísimo y la fotografía como tal es abrumadora y poética. De hecho hay planos fijos con fotogramas que nos invitan a deleitarnos con encuadres de paisajes urbanos y árboles en contrapicado que denotan una enorme sensibilidad por parte de Henri Alekan. 

Planta de camara DF Rocio Duarte

DF Duarte Rocio

Propuesta de la puesta en escena

En esta escena podemos ver que no hay mucha variación de planos, ya que se maneja en generales, primeros planos, planos medios y algunos planos detalles. Aun asi no dejan de ser importantes, ya que por ejemplo, con los planos generales nos muestra el entorno en que vive la trapecista, podemos ver el cuarto un tanto desarreglado, las cosas unas encima de otras, pero lo que nos permite ver con más claridad es que se encuentra llena de cosas que la rodean que tienen que ver con su trabajo, algo por lo que ella esta inquieta, podemos ver que la rodean en abundancia. Luego con los primeros planos junto con sus expresiones  nos permiten sentir las diferentes emociones, que por ejemplo, las emociones del angel cambian bastante con cada cosa que ella dice. En algunas ocasiones podemos observar planos detalles de algunas cosas que de pronto parecen insignificativas pero luego en lo que resta de la película obtienen un valor muy importante.
En cuanto a los moviemientos de cámara no son muchos, pero son los suficientes como para acompañar a un plano importante y enriquecerlo un poco mas. Podemos ver que son movimientos que acompañan a los personajes o movimientos circulares que los encierran a los dos.
Con lo referido al decorado, el camarín esta lleno de cosas como ya dijimos, pero podemos entenderlo no como utileria que rellena el decorado sino como utileria que sirve para darle verosimilitud. La piedra es un objeto que luego aparece en otras escenas con el angel, lo cual le da una importancia mayor y une a esta esc con otras.
En cuanto a las acciones de los personajes, podemos decir que ella tiene acciones, movimientos muy lentos lo que la ayuda a permanecer toda la esc pensativa, inquita y con angustia; compañada tambien con sus expresiones. En el por ejemplo son mucho mas importantes los primeros planos que permiten ver el cambio de sus expresiones constantemente y no son tan importantes sus movimientos.

Escaleta

Escena de la trapesista en el camarin: En esta escena ella entra en su camarin se recuesta en su cama y muy angustiada piensa en su futuro mientras el angel la observa muy atentamente.
Plano 1: Plano general del camarin y de ella centrada en el medio, sentada en su cama. Con este plano, podemos ver parte de todo lo que la rodea.
Plano 2: Primer plano de él. Con este podemos ver cómo la observa.
Plano 3: Nuevamente un plano general. Ahora la vemos a ella mas acomodada en su sitio.
Plano 4: Plano medio de él. Y la cámara lo acompaña acercandose hacia ella.
Plano 5: Plano general de ella que luego se va cerrando de a poco hasta que aparece em cuadro él y termina con un plano conjunto de los dos, el cual se mantiene hasta que cambia a un...
Plano 6: Primer plano que la muestra a ella muy pensativa y angustiada.
Plano 7: Primer plano que lo muestra a él muy atento a lo que piensa ella.
Plano 8: Primer plano de ella.
Plano 9: Primer plano de él, sonriendo por lo que ella dice.
Plano 10: Primer plano de ella cerrando los ojos.
Plano 11: Plano general de los dos, que nos permite ver que mientras él se levanta y se acerca lentamente a unas fotos, ella se acomoda en su cama de otra manera.
Plano 12: Plano detalle de las fotos que con un pequeño movimiento de cámara nos permite ver las diferentes fotos
Plano 13: Primer plano de el, que luego se da vuelta y queda de espaldas a la camara.
Plano 14: Plano medio de ella sentada agarrando sus piernas.
Plano 15: Plano general, que capta a los dos y con un pequeño movimiento de cámara alrededor suyo
Plano 16: Plano detalle de la mano de él agarrando una de las piedras.
Plano 17: Plano medio de él observando la piedra
Plano 18. Plano general. Mientras el observa la piedra, ella detras suyo se saca su vestido sentada en su cama. Luego el se da vuelta y da lugar a un...
Plano 19: Primer plano de su cara inquieto y asombrado podriamos decir, mirando la espalda de ella
Plano 20: Plano detalle de la espalda de ella, mitad descubierta y mitad sacandose el vestido. Acompañado por un movimiento de camara que comienza de su parte izquierda hastaa llegar al frende de su espalda, de mientras la acompaña cuando ella se desviste. Y luego entra en cuadro la mano de el tocando suavemente la espalda de ella.
Plano 21: Primer plano de el, pensativo por un segundo
Plano 22: Plano detalle de las manos con la piedra. Él se va y manteniendo el mismo tamaño y posicion de cuadro queda el mismo vacio solo con la imagen de la ventana.
Plano 23: Plano general de ella desnuda sentada en el costado de su cama.
En cuanto al sonido, música que acompaña a la esc, además es el cd que pone ella y refleja la intención oculta del director de que deje de ser solo un disco que ella puso sino que sea un sonido que acompaña al setimiento de los personajes.Y luego la voz es off de ella, de lo que esta pensando.

Ejercito de Salvacion Fotos

Cuando llegue al "Ejercito de Salvación" busque algo que me llamara la atención, algo común o fuera de lo común, pero en fin algo que cautive mi atención. Fue lo primero que vi, y lo primero que logro lo que yo queria que logre. Busque otras cosas pero ninguna logro lo mismo. La razon es porque todas eran cosas viejas y antiguas, puestas a la vista y al alcanse del que quisiera tocarlas, sin embargo este proyector estaba en una especie de mueble con vidrios, practicamente exhibido, abajo de todo. Además dentro de todo lo antiguo era lo que parecia mas nuevo de todo, era algo diferente, por mas que sea un proyector.

"Las alas del deseo" personajes

Ella es una joven trapecista aproximadamente de 25 años, Pelo castaño claro, color de piel blanca.
El es un hombre grande aproximadamente de 35 años, tiene los rasgos bien marcados en su cara, color de piel blanco, pelo marrón fuerte.

Objetivo dramatico de la escena: la pàrte del camarin (a partir de los 5 min 50 seg)
En esta escena el agarra un objeto que luego mas adelante cuando esta a punto de convertirse en mortal la tiene, ese objeto es la piedra que el agarra en el camarin de la trapesista.

 

Esta escena es muy importante de aca en adelante ya que hace más evidente la unión de estos dos personajes, no solo porque él la observa a ella sino en la manera de cómo la observa, con esa atención especial que hace que cada cosa que ella diga el sienta algo nuevo, estan unidos por un objeto ademas que como ya dije, luego aparece en otras escenas muy importantes, desde que el se está por convertir en mortal, hasta que lo logra.
Cada movimiento y expresión de ella demuestran la angustia e inquietud que siente por su trabajo. Sin embargo cada expresión de él cambia dependiendo de lo que ella dice, es decir, él reacciona de una manera distianta con cada cosa que ella dice a cada cosa que dice otra persona.
Se ve una gran unión también en algunos diálogos de ella como :
"... suelo equivocarme al pensar, porque lo hago como si le hablara a alguien más"
"... cierro los ojos una vez, cierro los ojos de nuevo y entonces hasta las piedras cobran vida"
Ambas partes nos hacen sentir lo mismo que siente el angel al escucharlo, ella piensa tal como si le estuviese hablando a alguien, es como si lo sintiera ahi con ella, si sintiera su compañia. Habla de que parece que las piedras cobran vida!, el agarra una de las piedras de ella y es un objeto clave para él de ahora en más. Habla también del amor y de muchas cosas más que se pueden entender mientras continua la película.

SINOPSIS

Dos ángeles (Bruno Ganz y Otto Sander) observan el mundo, en especial Berlin. No pueden cambiar la vida de los hombres ni darse a conocer, sólo pueden darles ganas de vivir e intentar reconfortarles en sus momentos de dolor. El deseo de formar parte de la vida mortal es tan grande en uno de ellos, que incluso está preparado para sacrificar su inmortalidad por él.
Además de ser una declaración de amor por la humanidad, la película supone un enfrentamiento con la realidad de la Republica Federal Alemana de los años 80 y con la Historia de Alemania.
Muestra el punto de vista de los ángeles en color sepia y pasa a color para mostrar el punto de vista de los humanos.

Las alas del deseo es una coproducción germano-francesa que se estrenó en 1987 con el título Der himmel über Berlin (El cielo sobre Berlín) para el idioma alemán y Les ailes du désir (Las alas del deseo), para el francés; un año más tarde, se distribuyó para la lengua inglesa, con el título Wings of Desire, de cuya traducción proviene el titulo español.
Fue dirigido por el renombrado Wim Wenders, escrito por Peter Handke, Richard Reitinger y Wim Wenders y producido por Anatole y Pascale Dauman, Wim Wenders e Ingrid Windisch para las productoras Argos Film, Road Movies Filmproduktion y Westdeutscher Rundfunk. Dado que el film mezcla imágenes en blanco y negro y en color —incluso, a veces, en la misma toma, como por ejemplo, en la última escena—, cabe destacar la notable labor de Henri Alekan, director de fotografía. La edición, la musicalización y el diseño de producción corresponden a Peter Przygoda, Jürgen Knieper y Heidi Lüdi, respectivamente.
El film cuenta con las actuaciones de Bruno Ganz en el papel de Damiel, Solveig Dommartin como Marion, Otto Sander como Cassiel, Curt Bois como Homero y Peter Falk (el conocido detective Columbo) haciendo de sí mismo. A excepción de Peter Falk y, quizás de Bruno Ganz, el resto del elenco de Las alas del deseo se compone de actores que, a pesar de destacarse en el cine europeo, dada la escasa llegada que tiene ese cine a la Argentina, muy probablemente resulten para nosotros desconocidos. Bruno Ganz protagonizó el film italiano de Silvio Soldini, Pane y tulipani (Pan y tulipanes), y, más recientemente, el renombrado film —nominado al Oscar de la Academia en el 2005—Der Untergang (conocido en inglés como Downfall y en español como La caída) que narra los últimos días en la vida de Adolf Hitler.
Win Wenders —según sus propias palabras—, ya radicado en los Estados Unidos, volvió a Berlín con la idea de hacer un fim sobre ángeles y sobre la ciudad dividida por el muro. Le pidió a su amigo y guionista Peter Handke que escribiera una historia sobre ángeles, pero Handke le dijo que no se sentía capaz de hacerlo. A los pocos días, Handke lo llamó diciéndole que podría escribir algunos monólogos para que Wenders empezara a filmar. De modo que el film se llevó a cabo partiendo de una idea muy vaga, sin guión, filmando escenas sueltas en una especie de brain storming con los actores. El primer resultado fue un film casi mudo al que luego se le fueron agregando en off, voces y pensamientos de los personajes. Así por ejemplo, cuenta Peter Falk que una vez finalizado el rodaje, estando ya en Ecuador rodando otra película, recibión un llamado de Wenders pidiéndole que grabara algunas reflexiones a partir de un boceto que le enviaba por fax y que cuando las tuviera listas se las enviara para que él las colocara en el film. El resultado de todo este caos es un film profundamente impactante, en el sentido más literal del término.
En 1993 Win Wenders dirigió el film In weiter Ferne, so nah! (conocido en inglés como Faraway, So Close! y en español como Tan lejos y tan cerca) escrito por Richard Reitinger, Wim Wenders y Ulrich Zieger; se trata de una “suerte” de continuación de Las alas del deseo, y cuenta nuevamente con Bruno Ganz y Otto Sander en los usuales papeles de Damiel y Cassiel y Natassja Kinski en el rol de Raphaela.
Siguiendo el tradicional modo en el que Hollywood demuestra su interés por los films extranjeros más exitosos, en 1998 la Warner Bros. encargó al director Brad Silberling una remake de Las alas del deseo (no del todo fiel al original) titulada City of Angels (que en Argentina se estrenó con el título Un ángel enamorado), situada en la ciudad de Los Ángeles y protagonizada por Nicolas Cage y Meg Ryan en los roles de Seth (Damiel) y Maggie Rice (Marion).
Tanto Las alas del deseo como sus realizadores han recibido numerosos premios y nominaciones, principalmente en Europa; en el Festival de Cannes 1987, el film fue nominado a la Palma de Oro y resultó ganador en la categoría de mejor director (Wim Wenders). Argumento:
El argumento gira en torno a dos ángeles invisibles que sobrevuelan la Berlín de la posguerra, observando y catalogando el comportamiento humano; la depresión y la desesperanza de las almas en la ciudad dividida por el muro. Uno de ellos, Damiel, infeliz con la eternidad descarnada de su condición de ángel, desea convertirse en humano para poder sentir. Este pasaje se desencadena al conocer, primero, a Marion, una desolada trapecista de circo de quien el ángel se enamora, y luego, a Peter Falk, un actor americano que, habiendo abandonado previamente la celestial existencia de los ángeles, lo precede en el camino de transformarse en mortal.
http://www.unpsicoanalistaenelcine.com/10.php

Nouvelle vage

Nouvelle Vage (Nueva Ola)

Es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la decada de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine frances imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

El apelativo Nouvelle vague surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada "Cahiers du Cinéma" (Cuadernos de Cine) -fundada en 1951 por Andre Bazin- deciden incursionar en la dirección de filmes hacia finales de los años cincuenta, tras haber desempeñado la profesión de guionistas durante los años precedentes. Tales son los casos de François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville

Entre los referentes que inspiraron a esta “nueva ola” de la producción cinematográfica francesa, es posible citar al célebre André Bazin, del cual adoptaron la necesidad de retratar la realidad organizando la percepción de las obras de un modo sumamente verosímil en cuanto al desarrollo de las vicisitudes de los personajes. Para Bazin, el realismo es ontológico en el cine, es decir connatural al carácter automático y mecánico de la reproducción cinematográfica, y las películas que mejor lo interpretan y que más se aproximan a la esencia del cine son aquellas que reducen al mínimo las intervenciones manipuladoras y artificiales. De manera similar, en 1948, el director y crítico de cine Alexandre Astruc proclamó un nuevo estilo fílmico, la "cámera-stylo"; se trata del cine de autor, en el que el director tenía que encontrarse creativamente por encima de todo y laa película tenía que nacer de él: "Si el escritor escribe con una pluma o un bolígrafo, el director escribe con la cámara". Todas estas ideas se convirtieron para los autores de la nouevelle vague en sugerentes conceptualizaciones teóricas debido a que se habían convertido en verdaderos cinéfilos a base de haber absorbido innumerables películas en la Cinémathèque française, donde los conceptos de "autor" y "autoría" gozaban de gran capital simbólico.

Un aspecto fundamental que va a favorecer el cambio el cambio en el cine francés es el hecho de que en 1958, terminada la guerra de independencia de Argelia, Charles De Gaulle, presidente de la República, nombra como ministro de cultura a André Malraux, que va a impulsar una legislación proteccionista favorable a los cineastas noveles y al cine de calidad.

Además, en esa época se constituye una nueva ola de espectadores cinéfilos, formados en la asistencia a cineclubs, que se hallan dispuestos a acoger toda novedad en el terreno cinematográfico. Una encuesta sobre la juventud francesa le permitió a la periodista Françoise Giroud hablar en diciembre de 1957 de una “nouvelle vague”, acuñando este término que va a denominar el cambio de postura de cineastas como Jean-Luc Godard, François Truffaut o Alain Resnais, entre los más destacados.

La Nouvelle Vague comienza a tomar forma en 1958, cuando Claude Chabrol dirige dos películas gracias al dinero que su mujer obtiene de una herencia. Serán las obras de Truffaut Los 400 golpes (1959) y Alain Resnais Hiroshima mon amour (1959) las que despertaron la atención y sentenciaron el advenimiento del nuevo fenómeno cinematográfico. El proceso de consolidación de la Nouvelle Vague quedó de manifiesto en el Festival de Cannes de 1959, donde resultaron ganadores: Truffaut recibe el premio a la dirección por su película Los cuatrocientos golpes ("Orfeo negro" de Marcel Camus fue galardonada con la Palma de Oro) y Resnais obtuvo un gran éxito con su obra Hiroshima mon amour.

Este grupo surgió en contraposición con el cine de calidad (“cinéma de qualité”), anquilosado en las viejas glorias francesas. Por ejemplo, François Truffaut arremetió en la revista Cahiers du Cinéma contra el “cinéma de qualité” francés y contra su pretendido realismo psicológico en un artículo titulado “Una cierta tendencia del cine francés”. Truffaut protesta de la abrumadora dominante literaria del cine francés, que es más un cine de guionistas que de realizadores. Paradójicamente, estos nuevos autores obtuvieron su sitio en la industria, siendo el caso de François Truffaut el más evidente, así como también el de Claude Chabrol. Sin embargo, a pesar de haber penetrado en la industria cinematográfica, estos cineastas nunca dejaron de producir un cine muy personal y notoriamente alejado de los gustos dictados por las modas.

Frente a ellos se erigió al mismo tiempo otro movimiento, erróneamente enmarcado en la Nouvelle Vague llamado "Rive Gauche", que surgió a la vera de la revista Positif con cineastas teóricamente más vanguardistas como Alain Resnais, Chris Marker y los escritores Marguerite Duras y Alain Robbe-Grillet. El cine de éstos se caracterizaba por ser más retórico, literario, elaborado y cuidado que sus colegas de la "Nouvelle Vague". Destacan los primeros films de Resnais (Hiroshima, mon amour, El año pasado en Marienbad, Te amo, te amo), La Jetée de Marker, Trans Europe Express de Robbe-Grillet e India Song de Duras.

Principales autores: Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, Louis Malle, Alain Resnais, Jacques Rivette, Éric Rohmer, François Truffaut, Roger Vadim, Agnès Varda

Caracteristicas de sus protagonistas:

• Poseer un bagaje cultural cinematográfico importante, obtenido en las Escuelas de Cine y en la Cinemateca Francesa.
• Forjar su estilo a través de la crítica en la revista Cahiers du Cinéma. Se trataba de verdaderos cinéfilos, y sus películas se colmaron de referencias y citas de homenaje a sus realizadores más admirados, sobre los que incluso han escrito libros.
• Defender el cine norteamericano de Howard Hawks, John Ford, Alfred Hitchcock, Samuel Fuller, etc., así como también el cine realista y visual de Jean Renoir, Robert Bresson, Jacques Tati, Max Ophuls, etc.
• La preparación teórica y el deseo de renovar el cine les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el poder creador del montaje, pues se reconocían férreos admiradores de Orson Welles.
• Tratar en sus películas la condición humana desoladoramente aislada en el marco de la sociedad pequeño burguesa de la posguerra.
• Considerar el cine como una especie de autoconocimiento personal, por lo que en sus películas aparecen claras referencias personales.

Las innovaciones técnicas y los bajos costos de los instrumentos necesarios para la realización de filmes contribuyeron a la emergencia de esta corriente. Las cámaras ligeras de 8mm. y 16 mm. (formatos no profesionales) y las nuevas emulsiones más sensibles hicieron posible que se rodara sin iluminación artificial, cámara al hombro y en locaciones naturales, es decir, sin necesidad de montar grandes escenografías en monumentales estudios cinematográficos. Ello conduce a un estilo de reportaje, con tomas largas, forma despreocupada y una duración de rodaje que se reduce a unas pocas semanas. Aportan un nuevo uso de la fotografía, en blanco y negro, que se sirve en interiores de una iluminación indirecta, rebotada, para generar así un ambiente realista al estilo de las iluminaciones difusas de Murnau, lo que permite rodar con ligereza y que la cámara siga a los actores de forma más natural. Su técnica es casi artesanal, con un equipo técnico reducido, sin estrellas importantes y con una interpretación improvisada por actores jóvenes. En suma, es un cine realista, bajo la influencia del Neorrealismo italiano y del lenguaje televisivo, que trata sobre temas morales aunque no hurgue en las causas del comportamiento de los personajes.

En definitiva, la contribución de la nouvelle vague supone una enérgica renovación del lenguaje cinematográfico al redescubrir la capacidad de la “mirada” de la cámara, el poder creador del montaje y otros recursos caídos en desuso. Su aportación sirve para reafirmar la noción de cine “de autor” y para introducir la inventiva en los métodos de trabajo, sacando provecho de las novedades técnicas, como cámaras ligeras, emulsiones hipersensibles, lámparas sobrevoltadas, iluminación por reflexión, y afinando y enriqueciendo las posibilidades expresivas del lenguaje cinematográfico.

Peliculas de la Nouvelle Vage:

• El bello Sergio (1958) de Chabrol.
• Los 400 golpes (1959) de Truffaut.
• Horoshima mon amour (1959) de Resnais.
• Al final de la escapada (1959) de Godard.
• Paris nous aparttient (1961) de Rivette.
• Jules et Jim (1962) de Truffaut.
• Le repos du guerrier de Vadim.
• Cleo de 5 a 7 (1962) de Varda.
• Fuergo fatuo (1963) de Malle.
• La guerra ha terminado (1966) de Resnais.
• Mi noche con Maud (1969) de Rohmer.
  
  
  
  http://es.wikipedia.org/wiki/Nouvelle_vague

Wim Wenders

Wilhelm Wim Ernst Wenders (Dusseldorf, 14 de agosto de 1945), guionista, producto, actor y director de cine aleman. Trabajo tambien en Estados Unidos.
Estudio medicina y filosofia en la universidad de Friburgo de Brisgovia; penso en hacerce sacerdote; luego hizo fotografia. en 1966 hizo un curso en Paris, yendo diariamente a la filmoteca y viendo el cine nuevo. Un año despues comenzo a estudiar en la Escuela de Cine y Televisio de Munich, la cual se abrio ese año. En ese mismo año realizo tambien su primer corto "Escenario"(Schauplatze). El siguiente año realizo otros tres, "El mismo jugador dispara de nuevo" (Same player shoots again), Klappenfilm, dirigido junto a Gerhard Theuring y Victor I. Dentro de ese año tambien comenzo a colaborar como critico en Filmkrit y Suddeutsche Zeitung.
Una vez que acabo la carrera, realizo su primer largometraje, "Verano en la ciudad" (3hs de duracion y trata de un hombre que salio de la carcel y empieza a viajar sin meta). Luego en 1972 hizo, "El miedo del portero ante penalty", sobre la novela de Peter Handke, del cual esta cerca toda su vida desde 1967 y con el cual trabajo una y otra vez. Luego realizo mas o menos un film por año.
Ha sido distinguido por su cine vanguardista y simbolico. Modelo de las inquietudes personales y vivencias que han dominado a toda una generación de cineastas y literatos, la trayectoria de Wenders es una de las más interesantes de la cinematografía europea del los últimos años. Representante destacado del cine alemán de los años 70, en los 80 y 90 se convirtió en un respetado e influyente realizador. La ansiedad y la pasión masculina por los viajes son temas frecuentes de su trabajo.
Nacio en una epoca en la que Alemania comenzo a girar hacial la cultura estadounidense,  para olvidar su propio pasado, Wenders explora en sus peliculas la presencia estadounidense en el inconsciente europeo o mas concretamente la americanizacion de la Alemania de posguerra.
Con tres peliculas su nombre se hace mas conocido, en 1974 hace "Alicia en las ciudades","Falso movimiento" y "En el curso del tiempo" (1975). Con "El amigo americano" (1977), basada en la novela El juego de Ripley, de Patrcia Higsmith, Wenders fue conocido internacionalmente.
A partir de ese momento, instalado en parte en Estados Unidos, junto con Coppola y Fred Ross, este comenzo una etapa mas prolifica, encadenando titulos experimentales como Lightning Over Water (Relampago sobre el agua) en 198a, documental sobre la agonia y la muerte del director Nicholas Ray, que loco dirigio y Hammett, en  1982 El estadp de las cosas, con historias intimas como Paris, Texas (1984), Cielo sobre Berlin o Las alas del deseo (1987)o su secuela Tan lejos tan cerca (1993).
En 1985 habia rodado, un film singular Tokio- Ga, sobre la vida del director japones Yazujiro Ozu, director con el cual dijo que habia aprendido mas en toda su vida. Tambien rodo en Portugal, entre otros lugares, donde conocio al director Raoul Ruiz e hizo films homenaje a Antonioni y N Ray.
en el  98 filmo con un grupo reducido, Buena Vista Social Club, sobre un grupo de olvidados pero legendarios musicos cubanos, entre 60 y 80 años. Este documental trata de el regreso a Cuba del musco estadounidense J.Cooder, momento en el que se reune con el vocalista cubano Ibrahim Ferrer y el resto de los musicos para grabar un album. Este recoge a los musicos en el estudio donde les registraban y ademas rastrea sus vidas en una La Habana filmada evocadoramente.
Entre sus muchas producciones, esta el largometraje rodado en formato digital "Llamado a las puertas del cielo" 2005. En septiembre de 2009 estaba a punto de rodar con Pina Bauschun documenal en 3D sobre el modo de observar el mundo de esta coreografa, pero dsp de dos años de preparaion, Pina murio. A pesar de todo llego a filmar PINA en 2011 con ayuda de miembros de la compañia de esa artista (Wuppertal dance theatre) que insistieron en seguir, c0omo un homenaje a la gran creadora de la danza actual. Como condicion pusieron no poner datos biograficos ni hacer entrevistas con conocidos, solo basarse en coreografias.
Ademas de os largometrajes tambien fue director de cortometrajes, de documentales y de programas de tv asi como quionista , productor y tamben actor.

Películas:

• 1970 - Verano en la ciudad, dedicado a The Kinks, guion: Wim Wenders.
• 1971 - El miedo del arquero al tiro penal (Latinoamérica) o El miedo del portero ante el penalty (España) - (Die Angst des Tormanns beim Elfmeter), guion: Wim Wenders basado en la novela de Peter Handke.
• 1972 - La letra escarlata (Der scharlachrote Buchstabe), guion: Wim Wenders, Ursula Ehler y Bernardo Fernández. Basado en la novela del mismo título de Nathaniel Hawthorne.
• 1974 - Alicia en las ciudades (Alice in den Städten), guion: Wim Wenders, Veith von Fürstenberg.
• 1974 - Falso movimiento (Falsche Bewegung), guion: Peter Handke.
• 1975 - En el curso del tiempo (Im Lauf der Zeit), guion: Wim Wenders.
• 1977 - El amigo americano(Der amerikanische Freund), guion: Wim Wenders basado en la novela de Patricia Highsmith Ripley's game.
• 1980 - Relámpago sobre el agua (Lightning over water) - Co-Dirección: Nicholas Ray.
• 1982 - El estado de las cosas (Der Stand der Dinge), guion: Wim Wenders, Robert Kramer.
• 1982 - El hombre de Chinatown (Hammett), guion: Ross Thomas y Dennis O'Flaherty, adaptación Thomas Pope basada en el libro de Joe Gores, terminada casi en su totalidad por Francis Ford Coppola.
• 1984 - París, Texas (Paris, Texas), guion: Sam Shepard.
• 1985 - Tokio-Ga (Tokyo-Ga), documental sobre Yasujirō Ozu.
• 1987 - Der Himmel über Berlin (Cielo sobre Berlín, Wings of desire o Las alas del deseo), guion: Wim Wenders y Peter Handke.

• 1991 - Hasta el fin del mundo (Bis ans Ende der Welt / Until the end of the world), guion: Peter Carey y Wim Wenders según un argumento de Wim Wenders y Solveig Dommartin.
• 1993 - ¡Tan lejos, tan cerca! (In weiter Ferne, so nah!), guion: Wim Wenders, Ulrich Zieger, Richard Reitinger. Continuación de Las alas del deseo.
• 1994 - Historias de Lisboa (Lisbon Story), guion: Wim Wenders.
• 1995 - Más allá de las nubes (Par delà les nuages) - Dirección: Michelangelo Antonioni y Wim Wenders. Guion: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni y Wim Wenders según relatos de Michelangelo Antonioni.
• 1995 - Los hermanos Skladanowsky (Die Gebrüder Skladanowsky, en inglés A trick of the light), guion: Wim Wenders con estudiantes de la Universidad de Televisión y Cine de Múnich.
• 1997 - El final de la violencia (The end of violence), guion: Nicholas Klein, Wim Wenders.
• 1999 - Buena Vista Social Club
• 2000 - El hotel del millón de dólares (The Million Dollar Hotel), guion: Nicholas Klein, según un argumento de Bono (U2) y Nicholas Klein.
• 2002 - Ten Minutes Older, segmento "Ten Thousand Years Older".
• 2003 - El alma de un hombre (The soul of a man)
• 2004 - Tierra de abundancia (Land of Plenty), guion: Scott Derrickson.
• 2005 - Llamando a las puertas del cielo (Don´t come knocking), guion: Sam Shepard y Wim Wenders
• 2007 - Invisibles (capítulo Crímenes invisibles)
• 2008 - Palermo shooting
• 2011 - Pina (Pina – tanzt, tanzt sonst sind wir verloren), sobre el legado de la coreógrafa Pina Bausch.

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